Выдержка из текста работы
Искусствоведение подразделяется на теорию искусства, изучающую художественный метод, форму, средства выражения и специфику видов изобразительного искусства; собственно историю искусства, изучающую эволюцию, стили, течения, направления творчества отдельных художников; художественную критику, оценивающую явления современной художественной жизни в разных формах. Все эти части базируются на едином принципе – анализе художественного произведения. Теория искусства изучает специфику различных видов художественного творчества через выявление выразительных средств, используемых в данном виде искусства для создания художественного образа. Художественный образ – выражение творцом своего «я», своего личностного видения мира. Художественный образ не повторяет действительность, а символизирует ее, вскрывая связи между предметами и явлениями, соединяет действительность и идеал. Этот образ создается с помощью таких средств как форма, фактура, цвет, свет, композиция и т.д.
Эпоха Возрождения в странах Западной Европы. Особенности развития различных видов и жанров искусств.
ВОЗРОЖДЕНИЕ, ИЛИРЕНЕССА́НС ЭТО ПЕРЕЛОМНЫЙ ИСТОРИЧЕСКИЙ ПЕРИОД В РАЗВИТИИ ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКОЙ КУЛЬТУРЫ МЕЖДУ СРЕДНЕВЕКОВЬЕМ И НОВЫМ ВРЕМЕНЕМ
(С XIV ПО XVI ВЕКА), ЗАЛОЖИВШИЙ ОСНОВЫ ЕВРОПЕЙСКОЙ КУЛЬТУРЫ НОВОГО ВРЕМЕНи/ ТЕРМИН «ВОЗРОЖДЕНИЕ» НЕ СЛУЧАЕН. В ИТАЛИИ, НА РОДИНЕ АНТИЧНОСТИ, ВНОВЬ ВОЗРОЖДАЕТСЯ АНТИЧНЫЙ ИДЕАЛ ПРЕКРАСНОГО ЧЕЛОВЕКА. АНТИЧНОСТЬ СТАНОВИТСЯ ИСТОЧНИКОМ ЗНАНИЙ, ЭТИЧЕСКИХ И ЭСТЕТИЧЕСКИХ ЦЕННОСТЕЙ, ОБРАЗЦОМ ТВОРЧЕСТВА. ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ ИСКУССТВА ВОЗРОЖДЕНИЯ:
* Гуманизм. * Антропоцентризм.* Человек и окружающий его реальный мир – главные темы в искусстве эпохи Возрождения. * Оптимизм мировосприятия и героизм образов.* Светский характер.* Поворот от условности и символизма к реализму.* Разрушение каноничности искусства.
* Изучение натуры и изображение трехмерного пространства, появления перспективы и пластической анатомии , использование светотени для передачи объемности формы.
* Расширяется круг заказчиков, на первое место выступает творческая индивидуальность художника. ВОЗРОЖДЕНИЕ ЗАРОЖДАЕТСЯ В ИТАЛИИ,ЗАТЕМ РАСПРОСТРАНЯЕТСЯ НА ДРУГИЕ СТРАНЫ ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ, ПРЕЖДЕ ВСЕГО НИДЕРЛАНДЫ, ГЕРМАНИЯ, ФРАНЦИЯ.
ВЕДУЩИЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ШКОЛЫ
В ИСКУССТВЕ ИТАЛЬЯНСКОГО РЕНЕССАНСА:
в XIV веке – СИЕ́НСКАЯ и ФЛОРЕНТИ́ЙСКАЯ,
в XV веке – ФЛОРЕНТИ́ЙСКАЯ, УМБРИ́ЙСКАЯ, ПАДУА́НСКАЯ, ВЕНЕЦИА́НСКАЯ,
в XVI веке – РИ́МСКАЯ и ВЕНЕЦИА́НСКАЯ.
Первые предвестники -в Италии в XIV веке. Джотто (1267—1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс.
В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.
Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. религиозные сюжеты приобретали иную трактовку —стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.
Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Никколо Пиццоло (1421-1453), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1445—1510).
Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1456).
Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Сансовино (1486—1570), Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.
Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.
Картины и скульптуры Микеланджело Буонарроти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире[источник не указан 1350 дней].
Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко)своих персонажей.
Северное Возрождение
Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Археологическое измерение итальянского Ренессанса, состоявшее в изучении вновь открытых памятников античности, было им совершенно чуждо. Здесь сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников (например, Гольбейна) лишены гармонизации и идеализации действительности,; в своей реалистичности они доходят до натурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего.
. На стыке интернациональной готики и предренессансных веяний в Бургундских Нидерландах 1-й половины XV века родилось старонидерландское искусство. Усложнённая иконография и запутанный символизм сочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира. Все эти достижения связаны с именами Робера Кампена и его учеников — братьев ван Эйков и Рогира ван дер Вейдена. Во второй половине века пережитки готики и итальянские влияния причудливо переплелись в творчестве Мемлинга.
Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало проникать в эти края только в XVI веке, когда баварец Альбрехт Дюрер ездил совершенствовать своё искусство в Венецию, а в Нидерландах сформировалась школа антверпенского маньеризма, к которой принадлежал, в частности, Мабюз. С началом Реформации религиозная живопись на севере Европы попала под запрет, зато стали формироваться новые жанры, основанные не столько на переосмыслении художественных достижений предыдущих поколений (как в Италии), сколько на непосредственном наблюдении за природой, — именно, пейзаж, натюрморт, жанровая живопись.
Искусство Древней Руси. Храмовое зодчество. Живопись. Художественные школы
Живопись. Толчков к развитию живописи вновь послужило крещение, благодаря которому пришли новые монументальные элементы, такие, как мозаика и фреска. Так же, существенное распространение получила станковая живопись (иконопись). Здесь, как и в случае с зодчеством, опыт был перенят из Византии. Наиболее примечательны иконы и росписи Софийского собора в Киеве (1037), церкви Спаса Нередицы в Новгороде (1199), иконы «Устюжское Благовещение» (конец 12 в.), «Спас Нерукотворный» (конец 12 в.), «Голова Архангела» (конец 12 в.), «Николай Чудотворец» (начало 13 в.).
Каменная архитектура в Древней Руси развивалась достаточно своеобразно, т.к. строительство, вплоть до конца X века велось исключительно из дерева. В конце 10 в. в Новгороде была срублена церковь св. Софии «о тринадцати верхах» Однако огромные знания и умения людей в строительстве деревянных зданий послужили толчков для развития каменного зодчества. Первой каменной церковью стала известная Десятинная церковь, которая была построена в Киеве в 989 году. С христианством на Русь пришла крестово-купольная форма храма — типичная для греко-восточных православных стран. При сооружении самого значительного памятника того времени — Софийского собора в Киеве (11 в.) — древнерусская архитектура уже обладала своими приемами монументального зодчества. Византийская система крестово-купольной церкви, с ясностью ее основных членений и логичностью композиции внутреннего пространства, легла в основу пятинефного киевского собора Софии. От всех византийских храмов собор отличается числом куполов: их тринадцать, то есть столько, сколько было в несохранившемся деревянном храме Софии в Новгороде.Характерна также конфигурация внешних объемов, которые плавно повышаются к центру, к главному куполу. Принцип постепенного, как бы ступенчатого нарастания массы здания стал с 11 в. последовательно проводиться в древнерусском зодчестве.Храм отличался массивностью, даже тяжеловесностью своих форм. Грандиозность, представительность, торжественность определялись ролью Софийского собора как главного архитектурного сооружения города. Пять нефов Софии четко выделены, но все они тяготеют к центральному подкупольному помещению.Внутренние деления выражены во внешних объемах собора и прежде всего в куполах, среди которых массивный центральный купол подчиняет себе остальные.Различные размеры куполов, волнистые и живые линии закомар (полукруглых завершений фасадов), обширная внешняя галлерея — все это создает довольно сложное и в то же время гармоничное сочетание объемов и линий. Внутри Софийского собора все стены, своды, абсиды, столбы и купол покрыты мозаиками и фресками. Одним из центральных изображений Софии является образ Богоматери-оранты, которой русские люди дали наименование «Нерушимой стены».
Школы. Новгородская.Художественный язык новгородской иконы прост, лаконичен, четок. Композиция строится на противопоставлении крупных форм и ярких локальных тонов. Произведение отличает лаконичность, немногоцветность и контрастность красок. На рубеже XIII и XIV столетий создана знаменитая икона "Никола" из Никольской церкви Липенского монастыря, написанная Алексой Петровым в 1294 году. Во Владимирско-Суздальской Руси, судя по сохранившимся остаткам фресок Переславля-Залесского, Владимира и Суздаля, а также по единичным иконам и лицевым рукописям, местные художники домонгольского периода опирались на творческое наследие Киева. Иконы владимирско-суздальской школы отличаются мягкостью письма и тонкой гармонией красок. Наследие владимирско-суздальской школы в 14-15 вв. послужило одним из главных источников для возникновения и развития московской школы иконописи. Московская школа сложилась и интенсивно развивалась в эпоху усиления Московского княжества. Живопись московской школы в 14 в. представляла синтез местных традиций и передовых течений византийского и южнославянского искусства (иконы "Спас Ярое Око" и "Спас оплечный", 1340 г., Успенский собор Московского Кремля). Расцвет московской школы в конце 14 — начале 15 вв. связан с деятельностью выдающихся художников Феофана Грека, Андрея Рублева, Даниила Черного. Традиции их искусства получили развитие в иконах и росписях Дионисия, привлекающих изысканностью пропорций, декоративной праздничностью колорита, уравновешенностью композиций. Псковская школа сложилась в период феодальной раздробленности и достигла расцвета в 14-15 вв. Ей свойственны повышенная экспрессия образов, резкость световых бликов, пастозность мазка (иконы "Собор Богоматери" и "Параскева, Варвара и Ульяна" — обе 2-я половина 14 в., ГТГ). В живописи распад псковской школы начался на рубеже 15 и 16 вв. Название "строгановская школа" возникло из-за частого употребления фамильной метки сольвычегодских купцов Строгановых на обратной стороне икон этого направления, но авторами большинства произведений строгановской школы были московские царские иконописцы, выполнявшие также заказы Строгановых — ценителей тонкого и изощренного мастерства. Для икон строгановской школы характерны небольшие размеры, миниатюрность письма, сочная, плотная, построенная на полутонах цветовая гамма, обогащенная широким применением золота и серебра, хрупкая изнеженность поз и жестов персонажей, сложная фантастика пейзажных фонов. Тверская школа иконописи сложилась в 13 веке. Для икон и миниатюр тверской школы характерны суровая выразительность образов, напряженность и экспрессия цветовых отношений, подчеркнутая линейность письма.
7. Живопись. Виды и жанры живописи. Изобразительные средства. Техники живописи.
8. Реализм в искусстве. Этапы его развития.
9. Скульптура. Виды и жанры. Изобразительные средства.
10.Барокко и его стилистические особенности.
11.Графика. Виды и жанры. Изобразительные средства. Графическая техника.
12.Художественная система рококо.
13.Печатные формы графики. Техники и технологии.
14.Классицизм. Особенности стиля.
15.Декоративно-прикладное искусство.
16.Романтизм в искусстве 19 ст. И его влияние на развитие видов и жанров искусства.
17.Архитектура, ее функции и основные конструктивно-художественный элементы. Стили архитектуры.
18.Импрессионизм и постимпрессионизм в европейском искусстве. 19.
Дизайн и художественное проектирование.
20.ХХ век – новая эпоха в развитии мирового искусства. Стили, направления, школы.
21.Понятие стиля в искусстве.
22.Ранние формы искусства на территории Беларуси.
23.Художественный образ и особенности его формирования в разных видах искусств.
24.Особенности развития белорусского изобразительного искусства в средние века.
25.Взаимодействие и синтез искусств.
26.Происхождение искусства. Виды и особенности стилистики первобытного искусства.
27.Особенности развития белорусского изобразительного искусства в 18 ст. 28.Виды и жанры искусства Древнего Востока /Египет, Междуречье/. 29.Основные тенденции в развитии белорусского изобразительного искусства в 19 ст.
30.Расцвет пластических искусств в Древней Греции и Древнем Риме. 31.Особенности развития белорусского изобразительного искусства в 20 вв. 32.Архитектура и изобразительное искусство средневековья в Западной Европе.
33.Основные направления в развитии искусства Витебска в 1918-1923 гг. 34.Основные этапы развития Витебской художественной школы. 35.Художественный стиль и индивидуальная манера художника. История и диалектика взаимосвязей. 36.Постмодернизм в искусстве и современный художественный процесс.
